Bohemian Rhapsody: “Los mejores biopics juegan con la historia para hacerla más entretenida”

No, claramente Bohemian Rhapsody no fue la primera biopic en la historia del cine. Sin embargo, algo parece haber cambiado a partir de la decisión de que la vida de Freddie Mercury y la formación de Queen fueran llevadas a la pantalla grande. De 2018 en adelante vimos un montón de producciones enfocadas en la música: Rocketman sobre Elton John, Elvis sobre Elvis Presley, Back to Black sobre Amy Winehouse, o la reciente Better Man sobre Robbie Williams.

Hay algo en el conocer las historias de las bandas y los músicos más populares de la historia que es una tentación para las productoras. Y, por supuesto, algo que se vuelve atractivo para las audiencias (a excepción, claro, de la reciente Better Man que parece haber sido un éxito más grande en redes de lo que efectivamente fue en las salas).

Cuando convencieron a Queen de hacer Bohemian Rhapsody, todo estaba dado para el éxito. La vida de Freddie Mercury era de por sí compleja y lo que fue el éxito de Queen se prestaba para hacer una historia tanto entretenida como vendible. El aprobado apareció de inmediato. Pero también los problemas.

Porque así como Bohemian Rhapsody le dio la sensación a John Ottman, su editor, de que sería algo que el público “abrazaría” después de leer el libreto y siempre y cuando las piezas encajaran en su lugar, también le dio varios dolores de cabeza. Pero el calvario tuvo su premio: Oscar a la Mejor Edición en 2019 por un trabajo que terminó cargándose al hombro después de que Bryan Singer fuera despedido por un conjunto de problemas relacionados con su comportamiento poco profesional en el set.

John Ottman y su oscar por Bohemian Rhapsody.

¿Cómo fue el desafío de llevar adelante esta adaptación sobre Queen?

Siempre tuve la sensación de que sería algo que el público abrazaría basándome en el guion y demás, pero, pero, pero no estaba seguro en absoluto. Siempre, antes de empezar una película, tenés cierta inquietud sobre si todas las piezas encajarán y harán que sea algo con lo que puedas trabajar y convertir en una gran película. Como sabrás, lo primero que rodamos fueron las secuencias de Live Aid, y en el momento en que vi la relación simbiótica entre el reparto y también que todos estaban tan bien elegidos, sentí un gran alivio porque ahora podía moldear la arcilla como quisiera, sin sentirme restringido porque algún actor no estuviera a la altura. Así que me sentía muy positivo al respecto.  

Sé que tenés experiencia como compositor (en la saga de X-Men) y que trabajaste con Bryan Singer en varias de sus películas componiendo la música. ¿Cómo fue el proceso en esta película, siendo musical? No sé si es un musical en el sentido estricto de la palabra, pero tiene música. ¿Eso te ayudó?

Me ayudó enormemente, por supuesto, porque tengo un sentido musical y también sé cómo trabajar con stems. Los stems son los elementos separados de una canción: la pista de batería, la de bajo, la de voz, etcétera. Queen nos proporcionó todos esos elementos, así que los tenía en mi Avid, que es el sistema de edición que usaba. Podía usar los diferentes elementos de la música para componer secuencias y demás, y destacar ciertos instrumentos en las escenas de conciertos para tener una mezcla aproximada. Eso no era la mezcla final de la película, por supuesto. Una vez que creaba esa plantilla y era aprobada por la banda, íbamos a una sala de mezcla profesional, con pistas de sonido envolvente, y contábamos con un experto que sabía cómo mezclar la música con aún más precisión. Así que, obviamente, mi experiencia musical ayudó mucho para que tuviera sentido que yo trabajara en la película.  

No sé si, con tu experiencia como músico y compositor, estuviste involucrado en la mezcla de la voz de Rami Malek con la de Freddie y la de ese cantante canadiense, creo, que grabó las canciones. ¿Cómo fue trabajar con eso?

Absolutamente. Porque, de nuevo, hago mucho trabajo de sonido cuando estoy editando la película. Pero realmente no hubo mucho problema, fue solo cruzar de la voz de Rami a la de Freddie Mercury. Inicialmente, teníamos a un imitador haciendo la voz de Freddie para todas las canciones, y sonaba fantástico porque era una grabación nueva. Íbamos por ese camino, y estaba genial porque era como Freddie Mercury, pero más cercano a la voz de Rami. Sin embargo, el tipo que hizo ese trabajo de voz (Marc Martel) se emocionó demasiado, fue a internet y contó a todo el mundo lo increíble que iba a ser su trabajo, y eso irritó mucho a la banda. Así que dijeron: “Que se vaya a la mierda, vamos a usar la voz de Freddie”. Y así fue. Es la voz de Freddie, no la de Rami, en todas las pistas de las canciones.  

 

 

 

 

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¿Cómo fue hacer la secuencia del Live Aid?

Siempre llamé a la secuencia de Live Aid la “secuencia de la Estrella de la Muerte”, porque si eso no funcionaba, toda la película estaba arruinada. Esa secuencia me tuvo sin dormir durante un año, porque fue lo primero que rodamos, y estuve ajustándola y trabajando en ella durante toda la producción hasta el final, hasta que quedó como quería. Teníamos muchísimo material. Además, podía hacer lo que quisiera visualmente porque no lo rodamos en un anfiteatro ni nada por el estilo, sino en un estacionamiento. Todo el público y las gradas eran CGI (animación por computadora). Había una tecnología increíble: escaneamos, no sé, unas 100 personas, y luego podía mover la cámara desde cualquier ángulo y la perspectiva cambiaba en la gente. Creo que emocionalmente pude exprimir la secuencia al máximo al esperar, contenerme, y luego mostrar el momento emocional con todo el estadio, una toma amplia masiva. Porque, obvio, la música de Queen es muy interactiva. Si no mostraba al público durante un tiempo, dejaba de funcionar. Tenía que mantener al público involucrado, al público falso, el de la película, y mostrar cómo la música los afectaba. Así que salí con un segundo director y grabamos más primeros planos de la multitud, de los extras, creando tomas realmente emotivas, porque sin esas tomas no habría funcionado.  

Hubo un cambio de director en medio de la producción. ¿Qué cambió para vos entonces?

No fue exactamente en medio, quedaban unas dos semanas o un poco más. El director de reemplazo llegó y rodó lo que faltaba. Dexter Fletcher solo se quedó un par de semanas en la postproducción. Luego yo llevé la película hasta el final. La gente siempre dice: “Debe haber sido terrible no tener un director”. Y yo digo: “No, fue increíble, podía hacer lo que quisiera”. Fue realmente una relación con Graham King, el productor, y su asistente, Dennis O’Sullivan. Los tres teníamos una visión similar de la película, gracias a Dios. Así pudimos manejar la política con el estudio para obtener la película que queríamos.

¿Qué fue lo más difícil?

Cuando la gente dice: “Debe haber sido muy difícil para vos”, la dificultad no estaba en el proceso creativo, eso fue divertido. La dificultad fue que me pusieron en el lugar del director para defender la película, porque eso es lo que hace un director: pelea con el estudio, libra las batallas políticas para proteger la película. Y yo tuve que hacer eso. El jefe del estudio dijo: “Esta película debe ser Mamma Mia”. Y nosotros: “No es Mamma Mia”. Y también: “La película debe durar 90 minutos”. ¿Por qué? No había razón. Así que tenía estas batallas, y a veces se ponía muy intenso. Había juegos que tenías que jugar. Por ejemplo, el jefe del estudio quería que cortáramos toda la secuencia de “I Want to Break Free” y que redujéramos a un tercio la escena en la sala donde Freddie confronta a la banda. Esa es una escena increíble porque es un momento pivotal para Freddie y la banda, cuando dice que no va a continuar con ellos. El juego peligroso que jugamos fue hacer una proyección de prueba de la película sin esas escenas. Era arriesgado porque, por lo que sabíamos, las puntuaciones del público podían mantenerse iguales, y entonces estaríamos acabados. Pero, gracias a Dios, las puntuaciones cayeron unos 10 puntos, así que pudimos recuperar esas escenas. Ese es el tipo de tortura y agonía que ocurre en la realización de películas y de la que nadie habla. Cuando hablo con editores jóvenes o compositores, les digo: “La mitad de tu trabajo es diplomacia. La mitad es explicar por qué tu visión debe ser como debe ser la película”. Y esa es la parte horrible del cine.  

Entonces, ¿qué papel jugó Bryan Singer en esta película después de todo, ya que se fue unas semanas antes?

Ninguno. Después de que lo despidieran, él recibió el crédito como director porque, una vez que cruzás cierto umbral de cuánto has dirigido, te dan el crédito. Así funciona.

Pero, ¿crees que es su película o la tuya? ¿De quién es?

Diría que de ambos, porque, francamente, la película no habría existido sin él. Bryan es un vendedor increíble. Puede convencer a alguien de gastar 100 millones en una película sobre un vaso de agua. Así que él logró que este proyecto, que llevaba años intentando despegar, finalmente lo hiciera. Convenció al productor, que es algo en lo que es excelente. Además, aunque tuvimos una gran directora de casting, el director tiene que aprobar lo que ella sugiere, y ese fue Bryan. Hay que darle crédito por lo que hizo. Y el hecho de que me pasara la película a mí, digamos que no era algo inusual en nuestra relación. Así que veo la película como de ambos.  

Entonces, ¿estás feliz de haber trabajado con él?

Es una historia muy complicada. Digamos que después de X-Men: Apocalipsis, le dije que no podía seguir haciendo esto con él. No porque fuera él… déjame reformularlo. Después de X-Men: Apocalipsis, le dije que no podía seguir porque era demasiado para mí componer la música, editar y prácticamente ser un productor de facto. No podía más, me estaba matando. Ya estoy muy viejo para eso. Perdía como 9 kilos y parecía Skeletor al final de estas películas. Esa iba a ser nuestra última película juntos. Pero luego me llamó con esta idea, y recuerdo que por teléfono le dije: “la p**a que te parió. ¿Cómo puedo decir que no a eso?”. Así que dije: “Está bien, lo haré una vez más”. Pero al final no compuse la música, así que fue más fácil para mí. En lugar de componer, tuve que defender la película, así que tuve otra tarea de reemplazo.  

La gente cuestionó el orden de los sucesos. Sé que no es un documental, pero ¿cómo manejaste esa parte de la edición, como mezclar cosas?

Los mejores biopics juegan un poco con la historia para hacerla más cinematográfica y entretenida. Tenés que hacerlo. De lo contrario, la película que hacés para emocionar a los fans, irónicamente, los aburrirá si la haces exactamente como ocurrieron las cosas. Esto tomó mucho trabajo para convencer a la banda, pero al final entendieron que era por un bien mayor. Por ejemplo, Freddie nunca le dijo a la banda antes de Live Aid que tenía SIDA, lo hizo después. Pero desde el punto de vista del productor, que lo contara antes hacía que Live Aid fuera 10 veces más emocional. Así que tuve que mantener la narrativa avanzando, nuestra historia, a pesar de las secuencias de la banda y la música. Porque, de nuevo, si solo mostraban las secuencias musicales, incluso con la música de Queen, era aburrido porque no había una historia de fondo. Tenía que mostrar constantemente la historia que ocurría bajo la superficie.  

No fue la primera gran película musical, pero abrieron camino para cosas que vinieron después, como Rocketman o Betterman hace unos meses. Es imposible no compararlas. ¿Cuál es tu opinión al respecto, siendo un punto de referencia para otras películas?

No sé. Creo que, a pesar de la extravagancia de Freddie y las secuencias locas, la película estaba anclada, era real. Creo que ese fue el error de Rocketman. Era muy surrealista, y cuando algo es surrealista, no te emociona tanto porque no lo creés del todo. Trabajé un poco en Rocketman, por un par de semanas e hice algunos ajustes. Pero creo que ese fue el problema. Me gustaría decir que Bohemian Rhapsody mostró que si mantenés a tus personajes anclados y reales, el público se involucrará más y se emocionará más con la historia.